INICIOS DEL CINE. El inicio del cine que conocemos hoy en día se debió al fruto de una de las revoluciones más
importantes de la historia: la revolución industrial de 1830. Anterior a ella, el grueso de las poblaciones se concentraban
en el campo, no tanto en las ciudades. Con el cambio de la revolución, se inició una explosión demográfica y de
crecimiento febril, a lo que una sociedad cada vez más en crecimiento, se debió apelar a métodos de producción
mecánicos que pudiesen alcanzar simultáneamente a millones. Nuevas invenciones como la electricidad y el
daguerrotipo suministraron una respuesta a esta nueva sociedad en demanda. Pero no fue sino hasta el 28 de diciembre
de 1895, cuando los hermanos Louis y Auguste Lumière, fabricantes de película, realizaron la primera proyección
pública de imágenes en movimiento en el sótano del Salón Indien. Los Lumière habían inventado lo que muchos han
calificado como la fábrica de los sueños mientras que para muchos otros es una fábrica, sí, pero de hacer dinero. El
cinematógrafo, el invento de los Lumière, tenía como antecedente el kinetoscopio de Thomas Edison. Ellos consiguieron
fabricar una cámara más portátil y funcional a partir de aquel artefacto, que registraba imágenes en movimiento,
aunque no era capaz de reproducirlas. Aunque los hermanos Lumière nunca tuvieron excesiva confianza en las
posibilidades técnicas y artísticas del nuevo invento, poco a poco estas proyecciones van atrayendo a un número de
espectadores cada vez mayor. Las primeras películas combinaban indistintamente dos tendencias cinematográficas que
pronto se escindirían: el cine documental y el cine de ficción. El rasgo de estas exhibiciones no tenia de por si ninguna
búsqueda estética, influenciado principalmente por el conservadurismo burgués. Se exhibían escenas de la vida
cotidiana, filmadas en exteriores: trabajadores saliendo de las fábricas, trenes, transeúntes… y, por otro,
representaciones escenificadas grabadas en interiores. Algunas de estas cintas a las que nos referimos son las
famosas Salida de la fábrica (1895) o La llegada del tren a la estación (1895) Pronto, el particular invento fue distribuido
por todo el mundo, bien a través de la compra de la patente, o bien mediante la copia del artilugio. Diferentes
inventores alemanes, norteamericanos e ingleses copiaron y mejoraron el cinematógrafo, y puede decirse que a finales
del siglo XIX un amplio número de personas en Europa y en Estados Unidos habían visto algún tipo de imágenes en
movimiento.
En esa primera proyección de los Lumiere, se encontraba una figura que pronto se convertiría en la persona que sería
nombrada como la iniciadora del cine fantástico, George Melies, un artesano e ilusionista que, al no poder comprar el
invento a los Lumiere, recurrió a comprar un derivado de ese invento llamado Bioscopio. Así fue como comenzó a
filmar, aunque comenzó filmando las mismas “escenas naturales” de los lumiere. Es conocida la anécdota en 1896 que
daría inicio a la metamorfosis burlesca que lo llevaría a la fama, cuando se hallaba filmando el tránsito y su cámara se
trabo, por lo que se debió cambiar el rollo y al revelar mostraba como por el corte, un autobús se transformaba en un
carro fúnebre. Dos años después del primer muestra de los Lumiere, Melies construyó su propio estudio de paredes y
techo de cristal debido a la baja sensibilidad de la película y para aprovechar al máximo la luz natural. Al ser Melies un
ilusionista de profesión, los trucos cinematográficos para el eran un fin en sí mismos y no un medio como hoy en dia.
Llegó a filmar alrededor de 500 películas, siendo la más famosa “Le Voyage dans la Lune” (1902), aunque la mayoría se
perdieron durante la primer Guerra Mundial. A partir de 1906, comienza su decadencia, debido a que la mayor parte de
su audiencia era entre los niños y su pequeña iniciativa comercial no se condice con el aparato industrial en que se iba
convirtiendo el cine. El invento de Lumiere, que Melies convirtió en espectáculo se hace industria en manos de Edison y
sobre todo del pionero Charles Pathé., quien ve al cine de manera meramente industrial, contratando a realizadores y
técnicos que trabajaban a sueldo. Una de las personas que sobresalieron por el fue Ferdinand Zecca, quien luego de ser
contratado no tardó en convertirse en su mano derecha, desplegando una actividad cinematográfica vasta y diversa,
abordando el cine de fantasía con una tendencia realista. Utiliza el truco como elemento técnico al servicio de la
narración. Con Zecca, el trucaje no es un fin sino un medio.
En 1911, Melies desapareció sin dejar rastro hasta que fue identificado 14 años después, como vendedor de golosinas
en una estación de París. Fue homenajeado después de ese encuentro.
ESCUELA DE BRIGHTON 1897 Surge en Inglaterra la ESCUELA DE BRIGHTON , de la mano de
George Albert Smith, James Williamson y Alfred Collins, quienes incorporan al lenguaje
cinematográfico algunas novedades, como la alternancia dramática de los escenarios
(mostrando a perseguidos y salvadores en planos alternos), lo que supone un progreso
narrativo cinematográfico. George A. Smith utiliza el primer plano de manera funcional (para
mostrar lo que se ve a través de una lupa), no con una finalidad dramática. Se le debe a la
Escuela de Brighton los primeros travellings (logrados al desplazar la cámara en un auto o en
un barco), el plano-contraplano (gracias a la alternancia de puntos de vista) y un montaje
bastante rudimentario visto hoy, pero que será el inicio de la narrativa cinematográfica.
FILM D’ART. En los países europeos se comenzó a abrir paso el deseo de hacer del cine un arte, o al menos un
espectáculo con pretensiones de tal. Francia seguía siendo el país con mayor volumen de producción. Ya era
prácticamente una industria. Pero en 1907 surge una crisis: el público se había acostumbrado al cinematógrafo y
demandaba más. El cine era mediocre porque sus guionistas también lo eran Para la cultura francesa de la época, el
referente del prestigio por excelencia era la literatura, ya sea en su forma novelesca o en las piezas de teatro. Fue así
que unos banqueros franceses, los hermanos Lafitte, fundaron en 1908 la sociedad productora Film d’art. Se apeló a
exponentes académicos y a artistas teatrales de renombre para forjar argumentos, debido al esnobismo de los primeros
magnates del cine quienes apuntaron a igualar el prestigio literario.
La mudez del nuevo medio incomodaba las pretensiones de significación de quienes deseaban que este se calzarse las
vestimentas de la buena sociedad. Se llevaron a cabo experimentos fallidos con fonógrafos e intentos de incluso
colorear las películas pintándolas cuadro por cuadro. Pero la posibilidad de acompañar el desarrollo musical de la acción
en la pantalla con un comentario musical “ad hoc” (quiere decir «para esto»)tuvo mejor suerte, tales como las
pianolas y las orquestas que interpretaban con partituras lo que sucedía en la pantalla.
NACIMIENTO DE HOLLYWOOD.. Thomas Alva Edison, inventor de la bombilla eléctrica, patentó en 1891 el kinetoscopio,
una aparato que permitía ver una reproducción fotográfica a un espectador a través de una especie de caja. En 1905, las
proyecciones americanas se organizaron en base a los Nickelodeons, pequeñas salas de fachada decorada con luces que
funcionaba casi todo el dia y cuya entrada costaba un nickel, es decir, 5 centavos. Siendo al principio como los Lumiere,
Edison no vio el potencial comercial de su invención. Al percatarse del mismo, se embarcó en tener el control de los
derechos sobre la explotación del cinematógrafo y arremetió contra los productores independientes. Pero estos
tampoco querían ceder terreno y después de mucho discutir y hasta llegar a las armas, partieron de Nueva York y la
costa este, tierra de Edison, hacia el oeste.Se establecieron en un pequeño pueblo llamado Hollywood donde tenían las
condiciones ideales para rodar: buen clima casi todo el año y bellos paisajes para usar como escenarios, además de
hallarse cerca de la frontera mexicana, en el caso que los sabuesos de Edison los encontraran e intentaran
enjuiciarlos .Así nació la Meca del Cine: Hollywood, el centro cinematográfico más importante del planeta.Los estudios
de aquella época -Fox, Universal, Paramount- en manos de Darryl F. Zanuck, Samuel Bronston, Samuel Goldwyn,
lucharon entre sí a brazo partido. Algunos se fusionaron dando origen a 20th Century Fox (de la antigua Fox) y Metro-
Goldwyn-Mayer (unión de los estudios de Samuel Goldwyn con Louis B. Mayer) De esta manera no sólo podían controlar
la producción fílmica financiando las películas, sino que también controlaban a los medios de distribución en cadenas de
salas que exhibían, solamente, sus propias películas. También contrataban directores y actores a sueldo y con contratos
poco satisfactorios para quienes eran los verdaderos hacedores de los filmes. Pero Charles Chaplin,Douglas
Fairbanks y Mary Pickford se rebelaron contra ese mal trato y como eran estrellas de gran éxito comercial, crearon su
propio estudio: United Artists. Indudablemente la producción de Hollywood entre 1910 y 1950 era más un cine de
productor que de calidad artística, dado que era más importante el productor que conseguía el financiamiento que el
director de las películas e incluso los propios actores.
En los años iniciales, norteamericano se destacó sobre todos: Edwin S. Porter, quien descubrió el montaje como recurso
para generar una continuidad narrativa. En 1902, rodó “Life of an American fireman” con escenas documentales
auténticas y ha sido considerada como una película pionera en el montaje paralelo. Además de explorar las posibilidades
de ese tipo de montaje, tambien utilizo el el gran primer plano, como lo demuestra su película emblemática “The great
train robbery”, que inició el género del western.
El llamado “padre del cine”, David Griffith
, desarrolló su trabajo en América paralelamente a Mèliés en Francia.
Proveniente de una familia del sur de EEUU que había vivido en carne propia la guerra de secesión, el sentido de esos
eventos trágicos sería esenciales para su percepción acerca del cine. Teniendo principalmente una aspiración de autor
teatral, descubrió en 1907 las oportunidades que ofrecía el cine. Con sus nuevos aportes introduce una nueva
concepción del cine, sobre todo gracias al desarrollo del montaje: el cine como industria con la contratación de todo el
personal necesario, la captura de figuras que atrajesen la atención del público y mejorasen el box office, lo que se
transformaría en el ahora conocido star system. Fue el primero en utilizar el flash back, técnica que el había observado
en la literatura a la hora de contar historias y quiso llevarla al cine. También expandió la técnica de las acciones
paralelas, que Porter había iniciado. Llama la atención también el uso de la aceleración de imágenes en su montaje
posterior o los diferentes puntos de vista de la cámara, de entre los que destacan los primeros planos dramáticos,
dejando a un lado la toma frontal típica del cine de comienzos de siglo. “Nacimiento de una nación” (1916), marcó un
cambio en su carrera y en la evolución del cine.las características más destacables son: iluminación artificial buscando
contrastes que impriman un mayor dramatismo a la película, siguiendo el estilo de pintores como Rembrandt; montaje
alternado, que consiste en narrar varias acciones al mismo tiempo; utilización de cortinas que abren el plano lateral u
horizontalmente; uso de iris que abren o cierran un plano. Intolerancia, otro de sus grandes títulos introdujo un nuevo
medio de expresión: el movimiento escénico de masas. En ella narra cuatro historias al mismo tiempo. El tema es la
intolerancia del hombre hacia su propia especie. Unía las tres historias mediante un plano recurrente: una mano
meciendo una cuna. En ella es constante el uso de metáforas y el uso del gran plano general. Una de las mejores escenas
del cine donde trabajaron más de 16000 extras en un escenario de 1,5 km grabado en una sola toma, sin cortes, a base
de un magnífico movimiento de travelling. Hay muchos movimientos de cámara a lo largo de toda la película con una
gran variedad de ángulos y muchos efectos de montaje como transiciones de un plano a otro, fundidos a negros
encadenados, además también del uso de maquetas.
CINE AMERICANO Hubo un momento en la historia de Hollywood en la que el cine se dividió entre buscadores de una
profundidad psicológica y aquellos que se ceñían a las pautas industriales de la producción en serie. De estos últimos, el
más destacado fue Cecil B. DeMille. Director, productor, escritor y autor, su estilo narrativo era notable por demás, más
allá de la generalidad de sus films, los cuales estaban también dotados de cierta vulgaridad pensada. También demostró
poseer una extraordinaria capacidad de asimilación técnica. Su empleo de la la iluminación artificial marcó una fecha en
la historia del cine. Hollywood se forjó siguiendo las pautas del cine de DeMille. No solo se buscaba tener éxito con el
público sino en la taquilla. El cine pasa a ser tanto un arte popular a un arte de consumo. A lo cual su crecimiento no se
detendría, debido más que nada a la época en sí. Los años ’20 fueron testigos de cambios bruscos en las costumbres: Las
mujeres acortaron sus faldas, la producción en serie de automóviles, las costumbres sexuales y los bailes desenfrenados.
Fue cuando Hollywood construyó su imperio que el cine mudo se halló en la cúspide. Dos géneros nuevos surgieron: el
western y la comedia de gags, siendo este último el más grande hallazgo de los años 20’ y ’30. Los chistes visuales,
violentos y el slapstick, creado por Mark Sennet, quien descubrió a Charlie Chaplin en un teatro de Nueva York en un
papel de borracho y lo contrató para sus estudios Keystone. Una figura que pasaría a convertirse en una leyenda de la
comedia muda, inspirado por el primer gran cómico de la pantalla, el francés Max Linder. Además de un nuevo género
que comenzó a aflorar con la vigencia de la “ley seca” y el tráfico marginal de licor: el film de gangsters.
A la par de un crecimiento económico y mundial, también se alzaba la anarquía. Escándalos por el control de los
estudios, historias de desenfreno, drogas y promiscuidad entre las estrellas famosas hicieron que apareciera el código
Hays, un código de comportamiento que imponía que se respetase la institución del matrimonio, sin abordar las escenas
de amor con vulgaridades, la homosexualidad estaba prohibida, etc. Se llegó al extremo de que no podía mostrarse a
una pareja en su cama.
SONIDO EN EL CINE Los intentos de hacer hablar al cine se remontan a sus orígenes, con experimentos sobre sincronizar
imágenes con discos. A mediados de los años ’20, la mayoría de los problemas sonoros estaban resueltos gracias al
perfeccionamiento de inventos anteriores como el fonógrafo y el amplificador, pero Hollywood aún no se atrevía a dar
el salto del cine mudo al sonoro debido a que este ya era un negocio establecido, el cual caería en el riesgo de
adentrarse en aguas inexploradas. En 1927, los estudios Warner Bros se encontraban en una situación financiera
delicada y apostaron por integrar el nuevo sistema de sonido, en este mismo año se hizo la primera película cantada y
hablada, El cantor de jazz, que tuvo bastante éxito. Las otras compañías se alienaron a la nueva corriente.
El primer efecto al cambio sonoro fue una limpieza a los elencos actorales. Acostumbrados a manejarse con las
expresiones corporales, la nueva incorporación les requería una comprensión de texto y aptitudes dramáticas fonéticas,
a lo que en un principio, muchos no pudieron adaptarse e incluso realizadores y figuras importantes llegaron a estar en
contra, tal como Charles Chaplin, quien continuó filmando películas mudas, aunque fue hasta 1934, con su obra maestra
“tiempos modernos” en la que se oyó su voz por primera vez.
El cine debutó en lo sonoro con una regresión al teatro, aunque, a pesar de las voces en contra fue algo que había
llegado para quedarse ya que complementaba el cine mudo, paradójicamente, con una significación a los silencios,
otorgándoles una dimensión dramática.
Otro de los nuevos géneros venidos por el sonido fue el musical. Un estilo que fue copiado y re hecho muchas veces en
un principio, pero al que Hollywood supo refinar rápidamente.
En 1953 con el invento del Cinemascope se incorpora el sonido estéreo a las películas. La llegada del Dolby estéreo que
dará nuevas posibilidades de matices a los compositores.
CINE SOVIÉTICO El estallido de la primer Guerra Mundial en 1914 fue en cierto punto, buscado por el gobierno ruso para
escapar algunas presiones revolucionarias, lo cual terminó en desastre. A partir de 1917, con la toma del poder por parte
de los soviets (consejos) de soldados y obreros que expresaban la presión de las masas operarias y agrarias, el cine se
convierte en el arte oficial del régimen, convirtiéndose en un medio de propaganda. Dado el interés que el nuevo
gobierno tenía en el cine, en agosto de 1919 en plena guerra civil, el gobierno decretó la nacionalización de la industria
cinematográfica y dotó a los cineastas soviéticos de los medios necesarios para desarrollar su trabajo y crear películas y
documentales que no sólo buscaran el entretenimiento, sino que también sirvieran para adoctrinar, motivar y explicar a
la sociedad el ideario soviético. En torno a Moscú aparecen varios centros de enseñanza de los oficios cinematográficos,
como la FEKS. El cine soviético se caracteriza no solo por su vinculación política con el nuevo régimen, sino también por
sus innovaciones estéticas: el enorme interés por el montaje. En las películas soviéticas el cineasta juega con el espacio y
el tiempo, manipulándolos a su voluntad. Otros elementos plásticos como la fotografía también acaparan la atención de
los directores soviéticos, cuyas películas siempre denotan un enorme sentido estético. De la primera generación de
directores soviéticos destacan Eisenstein, una de las más importantes figuras que señala el cine universal quien rompe
con los moldes tradicionales de montaje. El acorazado Potemkin constituye un buen ejemplo. En lo que Eisenstein
describió como montaje intelectual, o montaje ideológico, los objetos y los personajes se unen y se separan, entran y
salen, se unen de variadas formas provocando el desconcierto del espectador, que se obliga a pensar, preguntándose
qué sucede en la pantalla, adquiriendo conciencia por sí mismo de los hechos que ve con estupor. Eisenstein propone el
montaje con libertad de situaciones y escenas arbitrariamente elegidas, independientes entre sí pero con una
orientación precisa hacia un determinado efecto temático final. Posteriormente realizó Octubre reconstrucción de los
acontecimientos de 1917 y perfecta aplicación de sus teorías cinematográficas. Tuvo graves problemas con la censura
porque su visión de los hechos históricos no coincidía con la oficial del Partido Comunista
Otro de los directores que destacan fue Vertov, quien provenía del futurismo, y se destacaba por su audacia estilística,
su vitalismo, su gusto por el hecho brutal tal como lo demuestra su obra principal de 1929, El hombre con la cámara.
Bautizó a su propuesta anarquista como Cine-Ojo. Según el, el cine de ficción había sido inventado por la burguesía para
entretener a las masas y había que apartarse de ese “veneno”.
En los años 30, las autoridades soviéticas comenzaron una serie de campañas de represión y persecución política más
tarde denominada "la Gran Purga". Esos tiempos estuvieron marcados por el aumento del control estatal en todos los
ámbitos de la vida y en todas las ramas del arte. El cine de esa época se convirtió en un fuerte medio de propaganda que
tenía como objetivo principal divulgar los ideales del socialismo. El año 1931 destacó por la aparición del sonido en el
cine ruso, lo que marcó el fin de la época muda. La cinta El camino a la vida, sobre la dura realidad de un centro de
reeducación para niños vagabundos, fue el primer filme sonoro ruso que tuvo gran éxito en la URSS…Entre los
principales cineastas de ese tiempo cabe destacar a Grigori Alexándrov y Mijaíl Romm. Alexándrov fue famoso por sus
comedias musicales…En esta época, también se produjeron muchos filmes biográficos sobre diferentes personalidades:
zares, jefes militares, escritores... La mayoría de las obras eran ejemplos de pura propaganda y se caracterizaron por un
nivel de dirección y dramaturgia bastante bajo. Los más importantes filmes de esta serie son Alejandro Nevski (1938) de
eisenstein y Pedro I (1937).
EXPRESIONISMO ALEMAN.. Podría definirse al cine expresionista como una de las corrientes más importantes de la
producción fílmica alemana en el período inmediato al fin de la Primer Guerra Mundial, más exactamente de 1919 a
1926. En torno a ese núcleo que es la experiencia de los alemanes de la Primera Guerra Mundial y sus consecuencias,
surgirá el movimiento cultural más importante de Alemania de esa época: el expresionismo. Si bien el campo artístico
más conocido sea la de la pintura, podemos encontrar también al cine. Su principal característica consiste en el intento
de representación opuesta al naturalismo y la observación objetiva de los hechos y sucesos externos, haciendo énfasis
en lo subjetivo. Para el artista expresionista lo importante es su visión interna, que se extiende a aquello que se intenta
representar deformándolo, intentando encontrar su esencia. Se realizan películas características de la cultura alemana y
films para la educación nacional. Las principales causas eran el muy bajo nivel de la producción nacional frente a los
films extranjeros y el gran poder de influencia que el cine estaba demostrando tener sobre la gente. En 1918, luego de la
derrota alemana, el Reich renuncia a la participación en la UFA y la mayoría de la acciones son adquiridas por el
gobierno, Con este cambio a los fines propagandísticos se sumaron otros más prácticos: los fines comerciales, la UFA
empieza a hacer producciones que consistía en superproducciones pseudo-históricas, ridiculizando a otros países como
Francia (Madame Dubarry, Danton) o Inglaterra (Ana Bolena). A veces se ambientaban en el Oriente u otros lugares
exóticos (La mujer del faraón, Sumurun). En 1919, vio la luz una de las obras primales del expresionismo: El gabinete del
Dr. Caligari de Robert Wiene. El principal atractivo de la película reside en su anormalidad escenográfica, con chimeneas
oblicuas, reminiscencias cubistas y ventanas con forma de flecha, todo ello con una función meramente dramática y
psicológica, y no como algo decorativo. Uno de los recursos estéticos más importantes del expresionismo fue el uso de
la luz . Aquí se puede rastrear la determinante influencia de Max Reinhardt: en sus puestas en escena la luz era un
elemento constructivo fundamental. En ellas era común encontrar notables contrastes de luces y sombras. También
característico, es el encuadre en las películas expresionistas. La acción es casi teatral, no hay uso del fuera de campo, es
decir que lo importante es lo que se ve. La interpretación es uno de los aspectos quizás más llamativos del cine
expresionista, la actuación realista es dejada a un lado, demostrando afectación. Si bien es cierto que esta cualidad en la
interpretación existe en algunas películas de otros países, en las alemanas esto es llevado al extremo. El expresionismo
evolucionará sustituyendo las telas pintadas por los decorados, dando paso a una iluminación más compleja como
medio expresivo. Esto da origen a una nueva corriente que se conocerá como Kammerspielfilm, la cual se basa en un
respeto, aunque no total, de las unidades de tiempo, lugar y acción, en una gran linealidad y simplicidad argumental,
que hace innecesaria la inserción de rótulos explicativos, y en la sobriedad interpretativa. La simplicidad dramática y el
respeto a las unidades permiten crear unas atmósferas cerradas y opresivas, en las que se moverán los protagonistas. La
trayectoria de esta corriente aparece dominada principalmente por tres realizadores: Friedrich Wilhelm Murnau
(Nosferatu, 1922), Georg Wilhelm Pabst (Der schat, 1923) y Fritz Lang (Metropolis, 1926)
CINE VANGUARDISTA una nueva etapa de su cine que comienza a partir de la película Metrópolis (1926), una visión
futurista del mundo, en la que los hombres están al servicio de las máquinas. Otros films de esta etapa son Furia,
Perversidad y Los sobornados.
En estas películas los decorados dejan la función estética típica del expresionismo, buscando una visión arquitectónica.
La iluminación sigue siendo muy importante para conseguir volúmenes.
Destacan las formas cubistas, los encuadres distorsionados, los decorados imponentes, los efectos de iluminación. La
mayor diferencia con el expresionismo es la diferente utilización del montaje, con tintes vanguardistas que buscan la
transgresión, una imagen típica que lo muestra claramente es la de una cuchilla cortando un ojo por la mitad de la
película Perro andaluz de Buñuel. No se evita el momento del corte, como se hace habitualmente, sino que se ve todo el
proceso y se intercala con imágenes con un significado visual Otro representante del cine de vanguardia es Luis Buñuel.
Su cine de transgresión e imágenes oníricas, es una representación de lo que en pintura sería el surrealismo. En su etapa
surrealista trabajo en París, donde sus películas tendrían éxito. Perro andaluz, es la película más famosa de esta etapa de
vanguardia.
Es muy importante la vinculación del cine con el arte, Buñuel trabajó en varias ocasiones con Dalí. También Víctor
Eggeling, fundador del dadaísmo, colaboró haciendo decorados para el cine vanguardista.
NATURALISMO POÉTICO FRANCÉS: fue una corriente de pensamiento artística de fines del siglo XIX, basada en
reproducir la realidad con la mayor objetividad y verismo posibles. Su concepción del hombre radica en considerarlo
sujeto a la herencia genética y al medio en que vive. La condición humana está condicionada por problemas sociales
como la pobreza, la violencia, el alcoholismo y la prostitución. El naturalismo y la influencia de los textos de Zola
pusieron el verismo en circulación, oponiéndose al Film d`art. Antoine y su teatro libre llevan al cine Travail (1919),
donde se utilizan escenarios naturales, actores no profesionales etc. Louis F. realizó una serie de films, con un temario
de problemas sociales: el alcoholismo, el poder del dinero, el trabajo cruel de las minas, etcétera.
Jean Renoir dará a esta concepción naturalista un rigor más estilista, dando lugar al naturalismo poético francés o
realismo negro de anteguerra: Naná (1926), La golfa (1931), Los bajos fondos (1936). Otros representantes de este tipo
de cine serán Jacques Feyder (El signo de la muerte, 1933), Julián Duvivier (La Bandera, 1935), Marcel Carné (El muelle
de las brumas, 1938). Los personajes del naturalismo poético francés pertenecían a las clases sociales más excluidas:
ladrones, prostitutas, desertores, legionarios, etcétera. La topografía rondaba los ambientes sórdidos, las tabernas, los
muelles, los suburbios industriales, callejones… Lo poético se relacionaba con la estilización romántica de los objetos
más realistas. Lo negro tenía que ver con su carácter fatalista y su visión pesimista de la vida, acompañado de un
nihilismo existencialista.
NEORREALISMO ITALIANO .Como un antecedente al Neorrealismo, surgieron algunos directores que romperían con el
conformismo y la censura de los años ’40. Visconti con su adaptación de “el cartero llama dos veces” llamado
“Obsesión” (un drama de adulterio y traición), la cual fue catalogada por Mussolini como anti italiana; y Vittorio de Sica
con “los niños nos miran” (otro drama sobre el adulterio, esta vez desde el punto de vista de niños) y “El ladrón de
bicicletas”. La crisis del régimen y la catástrofe nacional que siguió determinó que el cine italiano desapareciera por un
lapso de tiempo. El país tiene que comenzar una reconstrucción, de todo tipo. En este momento surgirá el neorrealismo.
El nombre se le dará a finales de los 40. Es un movimiento bastante ecléctico, no hay una definición única, sino que tiene
que ver con la aparición de unos determinados directores y determinadas películas. No será un movimiento que domine
toda la producción italiana, también se harán otras películas. Pero aporta unas características con las que se identifica al
cine italiano de esa época. Influirá a las demás artes y a las cinematografías internacionales. Propone una nueva mirada
a la realidad, un cine marcado por la situación de Italia en esos años, lo que también condicionará su propio lenguaje. Se
propuso como un cine austero con el propósito de alcanzar una forma de significar directa y enérgica. Nuevos modos de
producción: las películas surgen en un contexto de miseria y precariedad dentro de esa industria: fuera de los estudios,
con pocos recursos, urgentes. Se da una nueva relación entre el artista y la sociedad. No sólo hay una meta de captar la
Italia de posguerra, sino que también hay un compromiso moral entre los directores y la realidad: el cine puede cambiar
las cosas, hay que ayudar a Italia. Es un cine que quiere dar testimonio y con una posición ética muy clara. La estética
neorrealista está basada en una motivación ética con respecto a la realidad. Dentro de este movimiento existen
diferentes posiciones: Más realista y católica: De Sica. A la mucho más politizada y cercana al marxismo: Visconti.
Estéticas / estilo neorrealista: La puesta en escena y realización están marcadas por la precariedad técnica, no existían
estudios (Cinecitta estaba arrasado). Se recurre fundamentalmente a escenarios naturales: calles, casas, espacios
públicos. Se reduce la iluminación al mínimo. Pocas veces se trabaja con equipos de sonido. Esto permite más movilidad
de la cámara. No se recoge sonido directo, sino que están doblados. El estilo fotográfico es bastante rudo
(especialmente en Roma, que es la más precaria).Se empiezan a ver movimientos de cámara en mano. Se improvisa,
aunque se respetan las normas de continuidad. Se recurre a actores no profesionales o conviven. No hay una gran
elaboración de la caracterización de los personajes, no hay un diseño de producción. Eso le proporciona verismo
documental, de acercamiento a la realidad, a la vez que más flexibilidad en la puesta en escena.
RESUMEN HISTORIA DEL CINE.docx
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